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Precious (Critique) Au summum du pire, une existence précieuse

noreply@blabla-series.com (Adam) — Tue, 09 Mar 2010 20:58:29 +0100

Au cinéma, il existe une hiérarchie du malheur, allant des humiliations quotidiennes, des crises sociales, des revers, jusqu’à l’ineffable du sordide. Au summum du pire, il y a Precious. Une existence condensée du mal, ébranlant chaque seconde le spectateur. Si Precious dérange et émeut à la fois, c’est parce qu’il cogne là où la plaie n’est pas refermée.

Sous le gouffre, le gouffre encore

Clareece, surnommée Precious (Gabourey Sidibe), est une adolescente obèse. Violée par son père, sous les yeux d’une mère tyrannique et persécutrice, qui la déteste pour lui avoir volé son homme. De ces incestes, est née sa première fille, un enfant trisomique dont elle ne peut s’occuper. Un garçon par la suite, normal cette fois, dont la naissance fait malencontreusement apprendre à Precious qu’elle est atteinte du SIDA.

De cette hiérarchie du malheur donc, Precious atteint son sommet. Imbattable sur le terrain de l’épouvantable, de l’immondice, de cette cruauté totale, perpétuelle, harassante, qui cogne l’héroïne à coup de viols et de pots de fleurs, le film est d’abord une épreuve humaine qui surnage dans la douleur sans se noyer, assumée et vertigineuse.

D’abord, Precious est une héroïne timide dont la retenue délicate puise dans le spectaculaire, le physique colossal de l’actrice oeuvrant en ce sens (une claque par elle, c’est un coup de massue). Et puis, il y a cette scène où Precious révèle sa puissance dans les larmes. Révélant sa tristesse au grand jour, autour de l’atelier d’écriture auquel elle assiste assidûment, son fardeau infernal dans ces mots qui glissent enfin.

Sur cette pente de la survie (et de l’instruction, une condition) vers lequel l’héroïne semble vouloir discrètement se hisser, Precious rencontre une institutrice lesbienne (Paula Patton, radieuse) et une assistante sociale courageuse (Mariah Carey, exagérément surprenante). Le film ne lorgne alors plus du côté de la torpeur sociale, il est question de s’en sortir malgré les bâfres et les cicatrices.

Sans regard, sans façon

Parce que Precious n’est aucunement un cahier de doléances, une vitrine du malheur, c’est une œuvre forte, sans concessions. Si évidemment certaines mines attendries de travailleurs sociaux sont là en face de cette héroïne qui voûte sous le poids de l’affreux, le film refuse ardemment le maniérisme.

Souvent inexpressive, l’héroïne même pas attachante, ne plaide pas la souffrance. Son entourage est inerte, sans remord (à l’exception d’une scène maternelle finale qui nous prend littéralement à la gorge). Même ses camarades de classe ricanent de voir le nourrisson de trois jours de leur copine enveloppé dans une layette couverte de sang.

C’est cette entièreté lucide qui finit par tordre les boyaux, déjà bien malmenés par cette affliction de départ (le film s’ouvre quasiment sur le viol de la jeune fille). A aucun moment, l’oeuvre se pose, se complait dans ses successifs coups du sort, sans chagrin affiché, sans détresse proclamée. Pas de tension, juste un état piteux.

Vierge de tout désir pleurard, le film justifie ainsi et avec force son absence de mise en scène, voire ses allures amatrices.
Brute, Precious livre ainsi son sujet tout aussi rudement, sans pincette, comme une insulte maternelle ignoble lancée au visage, mais délicatement sur la durée ou le fond. A l’image de ces pensées qui trottent dans la tête de l’héroïne illettrée, des discours mal conjugués mais intacts dans ce désir de gloire pailletée, cette envie féroce de s’extirper du calvaire.

Precious, traumatisante, déstabilisante, éprouvante, au fardeau social très lourd, est un film sur la résilience. In fine, une ode modeste à la reconstruction.

8/10

Oscars 2010 : Nominations, estimations, exultations

noreply@blabla-series.com (Adam) — Mon, 08 Mar 2010 13:10:00 +0100

Hier soir, les Oscars ont signé un bouleversement dans l'ordre établi. En primant pour la première fois une femme meilleure cinéaste (Kathryn Bigelow), et faisant vaincre le modeste film d'action féminin sur le blockbuster bleuté à 500 millions de dollars (The Hurt Locker sur Avatar).
Résultat : Blabla-Series est ravi, ses estimations concernant Precious, Inglorious Basterds, The Hurt Locker, The Blind Side et Up se sont avérées justes. Seul Jeff Bridges s'est hissé au vrai palmarès, évincant Colin de la statuette.

Par ordre de préférence, du fétiche au moins aimé, les nommés pour les Oscars 2010 & le palmarès :

Meilleur film

The Hurt Locker
Inglorious Basterds

Precious

The Blind Side

District 9

An education

A Serious Man

In the Air

Avatar

Gagnant : The Hurt Locker

Meilleur réalisateur

Kathryn Bigelow

Quentin Tarantino

James Cameron

Lee Daniels

Jason Reitman

Gagnant : Kathryn Bigelow

Meilleur acteur

Colin Firth - A Single Man

Jeremy Renner – The Hurt Locker

Jeff Bridges - Crazy Heart

Morgan Freeman –Invictus

George Clooney - In the Air

Gagnant : Jeff Bridges

Meilleure actrice

Sandra Bullock - The Blind Side

Gabourey Sidibe - Precious

Meryl Streep - Julie & Julia

Carey Mulligan – An education

Helen Mirren - The Last Station (pas vu)

Gagnant : Sandra Bullock

Meilleur acteur dans un second rôle

Christoph Waltz - Inglorious Basterds

Woody Harrelson -The Messenger

Stanley Tucci -Lovely Bones

Matt Damon - Invictus

Christopher Plummer -The Last Station

Gagnant : Christoph Waltz

Meilleur actrice dans un second rôle

Mo'Nique - Precious

Maggie Gyllenhaal - Crazy Heart

Penélope Cruz - Nine

Vera Farmiga - In the Air

Anna Kendrick - In the Air

Gagnant : Mo’Nique

Meilleur scénario original

The Hurt Locker

The Messenger

Inglourious Basterds

A Serious Man

Gagnant : The Hurt Locker

Meilleure adaptation

Precious

District 9

An education

In the Loop

Precious

Up in the Air

Gagnant : Precious

Meilleur film d'animation

Fantastic Mr. Fox

Coraline

The Princess & the frog

The Secret of Kells

Gagnant : Up

Meilleur film étranger

Le Ruban Blanc

Un prophète

Ajami

El secreto de sus ojos

Fausta

Gagnant : El Secreto de Sus ojos

A Single Man (Critique) Le repli en chagrin sophistiqué

noreply@blabla-series.com (Adam) — Sat, 06 Mar 2010 10:11:00 +0100

En troquant sa paire de ciseaux et ses luxueux porte manteaux pour des pellicules bon marché, le créateur de mode Tom Ford a flatté le diable. Espérant une première œuvre de cinéma surprise, narcissique, absolument parfaite, donc foncièrement flatteuse.

Solitude unisexe

George, professeur émérite de faculté, perd soudainement son petit ami Jim dans un accident de voiture. Une tragédie ordinaire qui résonne pour une foule hétérosexuelle comme un simple aléa sonore sur un chemin de vie tortueux, donc torturé. Pour le héros, c’est le point d’une chute sans fin, le signe de sa complète résignation.

Si ce Single Man est donc un film sur le néant d’être après la mort, une œuvre de solitude, c’est avant tout pour plaider la cause homosexuelle. Ici, la solitude a un sexe, se coupe de l’universalité, il y a une défense claire à prôner pour Tom Ford : c’est l’amour de l’homme et sa perte indicible. Des nombreux plans sur ces corps virils qui exultent, aux évocations subtiles de l’homosexualité des seventies, le parti pro-gay est évident, louable, émouvant. On croit même apercevoir l’amant du designer, le journaliste de mode Richard Buckley, assis sur un banc de la faculté de l’endeuillé George. Et les fox terriers du héros sont en réalité ceux de Ford. Pour une quête de soi mêlant narcissisme et autoanalyse.

Form-idable

Couleurs rousses, ambiances chair, vintage chic, décor d’archi, tout est mis en œuvre pour conférer au film la forme la plus visuelle possible. Les couleurs se neutralisent puis se ravivent nettes au gré des sentiments, des allusions. Les iris sont grossis à la loupe, les plans sont saccadés, désaturés, retouchés, les scènes paradent se voulant vintage à la James Dean, les acteurs secondaires, un brin inutiles, cabotinent, menés toutefois par une reine de cabaret truculente nommée Julianne Moore, le seul point de vertige de l’œuvre.

A trop vouloir en faire, la surenchère se contente d’esbroufe pudique. Léchant et surléchant sa forme à l’envi, Tom Ford met au placard des thèmes majeurs laissés en l’état, pour se complaire dans le maniérisme absolu, l’œuvre de pose du débutant, qui sous airs tirés à quatre épingle, ne cache pas grand chagrin.
Parce que sans la douleur indélébile d’un Colin Firth tout à fait désarmant, le film aurait pu n’être qu’un manifesto plastique, une publicité Chanel améliorée, « luxurisée » sur la vie gay et l’art d’être chic, riche mais triste sous la peau.

Chez Ford, le deuil est en velours, soyeux comme du tweed repiqué. Inaccessible comme une chouette alerte sur une branche, éclairée par la pleine lune. Lisse comme le front du minet amouraché que le héros suicidaire daigne prendre sous son aile avant le grand départ.
Les métaphores colorées pleuvent et se noient alors avec le héros sous la houle. Des tourments et de la douleur physique palpable, annihilante, colérique, il n’en est jamais question. A Single Man manque de chaleur saignante, de larmes grises, de terne, pour faire sens.

C’est toute l’ironie blafarde de ce premier essai cinématographique, aux airs profonds mais trop éclatants pour être vrais.

6/10

An Education (Critique) Initiation au sentiment & mirage de l’être

noreply@blabla-series.com (Adam) — Sun, 28 Feb 2010 13:10:00 +0100

Soixante cinq ans après Lolita, cette liaison impensable entre la prépubère Dolores et le tourmenté Humbert Humbert, le mythe de l’amour sans âge ni frontière social renaît de ses cendres. Plus précisément, il s’est exilé au Royaume-Uni, implanté dans un univers sixty chic, sans Jeremy Irons. De mauvaise augure, vraiment ?

Education (senti)mentale selon Flaubert

D’entrée de jeu, An Education s’affranchit de la comparaison avec l’œuvre de Nabokov, puisque dénuée d’une quelconque ambition amorale. Point de similitude en effet entre l’effarouchée Dolores et l’impudente Jenny. Regrettable alors, parce que si la sulfureuse Lolita avait marqué les esprits par sa teneur dérangeante criante de vérité, An Education, vierge de toute provocation, est condamné au plat. Disons au chemin éduqué.

Elle (Carey Mulligan) est jeune, triomphale, en quête de déniaisement, mieux, d’élévation de soi, d’embourgeoisement probablement. Le Saint Graal par le haut. Férue d’art, de littérature, de philosophie existentialiste, cette jeune bohème chic avant l’heure, socialement inhibée, aspire à un regard, une reconnaissance mêlée d’envie.
Lui (Peter Sarsgaard) est un dandy qui voûte sous l’avancement du temps. Trentenaire enraciné, jolie gueule, l’instruction séduisante -peut-être apparente mais qu’importe, le verbe haut, embobelineur, l’attention facile.

Il n’en faut pas plus pour que la jeune créature s’amourache de David, qui est en fort aise. Innocemment ou presque, le couple se forme par la force des choses. Il est sa clé pour s’extirper de son milieu et de ses obligations estudiantines. Elle est son remède au vieillissement, un sortilège narcissique qui prend de l’ampleur à mesure du conditionnement amoureux et social qu’il lui offre gracieusement, la belle âme en façade.

De ça, le film est riche. Comme une chanson de Gréco que l’héroïne écoute dans le secret de la demeure familiale, An Education se présente comme un joli morceau de vie, contrasté, une romance hésitante, originale, voulue par les allures d’une époque.

Marasme à peine amoureux

Au-delà de la rencontre et de l’attachement soudain, c’est le vide.

Jamais de passion ni d’égarement libidineux, An Education prône la carte de la pudeur pour esquiver à profit l’objet de scandale qu’il aurait pu susciter. Ce qui malheureusement n’explique pas l’absence pregnante des étreintes déchirées, d’une romance du moins vécue. Triste frustration pour le spectateur qui contemple au loin l’œuvre de Lone Scherfig narrant un amour distant, comme prisonnier de l’écran, dans l’écho d’un son étouffé.

Pas d’esbroufe non plus quand retentit l’heure de la rupture au demeurant triviale, presque inachevée. A peine, un espoir qui vole en éclat sous les quelques larmes –convaincantes- de la jeune Jenny. Qui est bien seule dans ce marasme sentimental.

Le visage de l’héroïne (jouée par la nouvelle égérie du cinéma anglais, Carey Mulligan, juste, sans jamais flamboyer vraiment) se mue ainsi au gré des rebondissements sentimentaux. Ses yeux qui d’abord s’émerveillent (trop ?) d’un rien, d’un tableau d’art, d’une découverte de vie, cèdent leur place à un regard de désillusion sociale, sans jamais atteindre une teneur crève-cœur, cette perte totale d’elle-même, pourtant trahie par celui qu’elle aime. L’aime t-elle vraiment ?

Une fadeur de ton qui se retrouve dans l’évolution narrative du film, quasiment elliptique, alternant des scènes posées interminables et une rapide reconversion de l’héroïne qui a finalement pris le chemin de l’université.

Cette permanente déconnexion entre l’allure de cet objet de cinéma, toujours jolie, clinquante, parfois subtile, et le fond troublant viennent à laisser incompris les mouvements de l’entourage de Jenny dont le laxisme familial fait peur à voir (à l’exception de sa professeur jouée par Olivia Williams) sans jamais véritablement questionner la place/le dilemme de la femme des années 60. Incompris par ricochet ce manque cruel de féminisme pour une héroïne qui présentait une carrure moins naïve mais qui pourtant décide de faire priorité à l’arrivisme social. Son personnage était d’emblée une caricature légère, mais contraire.

Si le film est lisse, gentiment poseur, à peine trop contemplatif c’est parce qu’An Education partait à la recherche d’une romance d’abord ingénue, décompliquée malgré les difficultés. Mais la Jeunesse dont on excuse volontiers les erreurs de l’héroïne amoureuse, ne fait pas pardonner en revanche le manque de cohérence d’une histoire distante et malmenée, encore moins l’absence de déploiement sentimental, qui anéantit la portée intense de cette bluette.

5.5/10

Shutter Island (Critique) Mise en scène scorsesienne

noreply@blabla-series.com (Adam) — Thu, 25 Feb 2010 19:11:00 +0100

Après un remake infiltré formidablement adapté, Scorsese retrouve son poulain à la mèche blonde (et inversement) pour une oeuvre croisée des genres, entre thriller effréné et film paranoïaque tendance encéphalique. Une course noire intense, trop intense ?

Sans foi ni loi

Adapté du best-seller de Dennis Lehane, Shutter Island présentait un scénario tout fait, idéal pour le cinéma fantastique tourné vers les tourments de l’homme fautif. Avec ce matériau béni des Dieux, Martin Scorsese retrouve la dimension la plus cinéaste de sa filmographie et bénéficie d’un univers emballé qu’il aime à consacrer, à peaufiner visuellement, scénaristiquement, musicalement jusqu’à l’ongle.

A ce niveau, Scorsese parvient brillamment à reconstituer une île asilaire des plus terrifiantes dont la noirceur et l’inquiétude latente renaît sous chaque rocher mystérieux, dans chaque chambre capitonnée. Voire à travers chaque échappée cauchemardesque qui propulse l’US Marshall en pleine guerre nazie, ou sous son toit infernal envahi par les cendres et la mort.
En prime, Scorsese établit une moiteur exotique des plus humides et progressives, catapultée par un déferlement météorologique pour consacrer toujours un peu plus la teneur anxiogène progressiste d’une œuvre sans demi-mesure.

Le casting en or massif n’est pas étranger à cette réussite d’ambiance : entre DiCaprio bouillonnant, intensifié jusqu’à l’os, Michelle Williams terriblement juste, ou la folle toute-désignée, Emily Mortimer, aussi dangereusement inquiétante que le référent de raison joué par Ben Kingsley.

Fantasmes exilés

Si cette forme au cordeau est chez Scorsese toujours au service de l’intrigue, pour mieux ombrager ce fond impalpable dissimulé au fond du tiroir, Shutter Island reste parfois à côté de son chemin narratif.
Envie passagère de repos entre-deux ou défaut chronique d’une réalisation si chaotique qu’elle crée derrière elle quelques nids-de-poule, diverses situations à vide sans impact eu égard à la résolution finale ?

Evidemment, la traque héroïque contre un système psychiatrique présumé barbare est sans cesse reconstituée avec beaucoup de conviction. Mais Scorsese prend un malin plaisir à noyer le spectateur sous une avalanche d’indices sans liant au point d’accumuler les cartes et les enjeux confus.

Alors, quand le dénouement tardif pointe le bout de son nez éclairé et nous enlève tout le poids scénaristique de nos épaules, difficile de ne pas ressentir une once de déception. Parce qu’a contrario d’un déploiement actantiel des plus obscures -le plus souvent maîtrisé, Martin Scorsese commet l’erreur de finalement trop en dévoiler sur les fondements de son œuvre : la frontière entre réalité et représentation.

De cette ligne frêle entre fantasme et preuve, le film, étonnamment jusqu’au-boutiste, enchaîne les explications pragmatiques et anéantit le mythe du traumatisme humain sujet à fantasme. Un parti pris rationaliste qui nous confisque toute portée imaginaire, injectée à la seringue depuis les prémices de l’histoire.

Par sa mise en scène à tiroirs, paradoxale, abyssale, très écrite, Shutter Island sait nous emporter dans un tourbillon d’évènements cérébraux où folie, histoire et onirisme torturé s’entremêlent sans envahir.
Dommage que l’obsession narrative du génie réalisateur vienne entacher cette chute vers la folie romanesque sans retour.

6.5/10

Lovely Bones (Critique) La jolie ossature du néant

noreply@blabla-series.com (Adam) — Fri, 12 Feb 2010 11:18:48 +0100

Peter Jackson aurait sans doute gagner à trépasser au fin fond du Mordor, l’air triomphant après sa trilogie joaillière. Au lieu de ça, le néo-zélandais récidive avec une bouillie poissonnière familiale des plus fades.
Entre thriller raté et traversée onirique poussive.

La mort lui va si bien

Elle s’appelle "Salmon, saumon, comme le poisson" et elle a été sauvagement assassinée un soir de rentrée d’école en décembre 73. Sauvagement, on le suppose parce que Jackson a préféré le parti pris de l’implicite, à son honneur.

Si le film s’attarde rapidement à créer un entre-deux fantasmagorique à cette jeune héroïne familialement épanouie (encore plus injuste !), avec une volonté endueillie infroissable, Lovely Bones rate malheureusement le coche de l’adaptation. La matière littéraire demeurant en jachère, le conte visuel lui, reste éloigné des grandes tragédies filmées.

Pourtant adapté du roman profond d’Alice Sebold, le fond même de Lovely Bones manque de mordant subtil. De nombreux passages à vides oraux signés par l’héroïne défunte ou sa famille entière condamnent véritablement le film à une étiquette niaise des plus indécrottables. « La mort, ça bouleverse tout » « Mon assassin a gâché beaucoup de choses ».
Certes, la narratrice est une adolescente un brin ingénue mais de là à surnager dans le larmoyant bêta avide d’existancialisme, il n’y a qu’un pas que le film a gaillardement franchi. Mais cette œuvre adorable n’est pas qu’un essai philosophico-juvénile médiocre.

Mélo défectueux mais pas que.

Dans Lovely Bones, tout est sur-écrit, sur-désigné. Les intentions, les remises en causes, les gestes effrayants d’un sociopathe clownesque ou ceux dépités d’un père théâtralisé qui manque cruellement de nuance. Mark Wahlberg devrait songer à renoncer à vie aux drames et se contenter de travailler ses gros bras pour les films à pistolet.
La famille Salmon reste, quant à elle, sauvée du gouffre de l’incrédule par Rachel Weisz, mère douleur intacte mais trop absente, ou Susan Sarandon, à la loufoquerie communicative, probablement inappropriée.

La maladresse récurrente du film réside dans sa perpétuelle succession de ses deux facettes fantastico-tragiques. Parce que la combinaison est mécanique, Jackson en vient à réduire la portée dramatique de son matériau, en effleurant à la fois (sans jamais approfondir) polar inattendu, rage familiale parachutée et traversée cabotine en direct du pays des morts innocents.

A l’imagerie des plus ringardes (pastel et grafitti de rue), ces échappées surnaturelles voulues douces-amères, maximisées par un travail d’effets spéciaux alourdissant, ne font pas honneur à ce drame adolescent, le fondement initial et louable du film.

Lovely Bones est un voyage douloureux qui a voulu reconstituer spirituellement l’épreuve du deuil familial par plusieurs chemins de traverse laborieux, férocément à la mode.
Si la douleur est bel et bien au rendez-vous, c’est davantage pour celui qui assiste impuissant à ce gloubiboulga caricatural, bâclé et vide de sens.

3/10

Up in The Air (Critique) Dans les nuages, même ennui

noreply@blabla-series.com (Adam) — Sun, 31 Jan 2010 14:39:00 +0100

Après un premier essai tabagique de premier ordre, Thank You For Smoking, où Jason Reitman avait imposé ce ton caustique sans compromis, retrouvé ça et là dans sa chronique adolescente plus acidulée, Juno, le cinéaste, désormais attendu, revient l’air triomphant avec un produit volant piloté par George Clooney.

Plus classe éco que vraie première classe.

Après deux films de très bon cru, le troisième film d’un cinéaste en devenir s’avère être toujours une véritable gageure. A plus forte raison quand le film en question noue avec un thème particulier, pas clairement identifiable -l’amour, la solitude, le voyage, la fuite, l’amour dans l’air ou rien à la fois ?, qui franchement inspire trop rien.
Et comme on le devinait, le charme d’In The Air n’a pas la même résonance atypique que celle de Juno ou TYFS. Tout bonnement parce que son substrat n’a pas la même ambition morale et qu’à aucun moment, le film aérien ne parvient à se démarquer de ce postulat barricadé, centré sur un homme seul qui imprudemment oublie ses repères formels pour croire à tâtons en l’amour.

Sans ce trio d’acteurs parfait ou presque, rien ne sauverait In The Air de la catastrophe aérienne, victime de trop nombreux passages à vide. Vera Farmiga, d’abord, sans cesse plus attachante d’œuvre en œuvre et qui assurémennt est vouée à prendre un jour la place de Cate Blanchett dans des œuvres qui comptent. Et George Clooney, dandy quadra impeccable qui dégaine les répliques affligées mieux que n’importe quel autre acteur de sa génération. De la réunion de ces deux acteurs, naît une complicité certaine, qui ne manque pas de force visuelle. Mais leurs rares rencontres, au schéma scénaristique inchangé, affadissent rapidement cet initial raffinement de jeu.

Alors, il fallait compter sur Anna Kendrick, jeune diplômée aux dents longues, prête à en découdre pour défendre un système impitoyable. Mais l’héroïne incarne péniblement le seul véritable travail d’écriture au cordeau (pourtant notoire chez Reitman) que le cinéaste a daigné offrir à cette œuvre. Un cynisme maigre et anecdotique, finalement à l’image du personnage de Kendrick : inégal et expédié.

Une éloge du rien

Si l’intimité des protagonistes peine à être explorée, c’est aussi le cas du monde du travail, qui manque d’approfondissement. Ryan est un professionnel du licenciement industriel payé pour voir défiler devant ses yeux des visages tuméfiés par la rupture professionnelle et la peur de s’engouffrer.

Parce que c’est la crise, le film le dit à un moment au cas où ce constat est archivé pour le spectateur. Et pourtant, cet état critique n’est pas vraiment au rendez-vous. Outre deux trois argumentaires faisant figure de mode d’emploi pour le citoyen lambda abasourdi par les factures étatiques, In The Air ne s’intéresse que vénalement au mal social de notre époque.

Ainsi, en naviguant entre deux genres distincts, pourtant conciliables (d’autres s’en étaient sortis), Jason Reitman loupe, lui, le coche de la chronique acerbe.
La disette de l’emploi abordée, le confort d’un cadre sup célibattant également, mais il manque à l’œuvre cet objectif primordial : une véritable approche sociale criante de vérité ou à défaut une démonstration cruciale de la solitude. Trop conciliant avec l’ère du temps, tout en voulant profiter des écueils de notre époque sans trop les épuiser, In The Air en vient souvent à frôler l’artifice un peu racoleur.

Comme si finalement le film n’avait aucune vraie ambition. L’emballage est lucratif, illusoire et nonchalant, surfant férocement sur la mode des miles à collectionner ou des cartes de fidélité pour bobo en manque de lubies modernes et reluisantes. Pour le fond, parce qu’il en faut, d’une certaine mesure, on se contentera alors d’un croisement amoureux et d’une plongée timide dans un univers familial standard sur fond économique. Et tant pis si ce tout mal imbriqué sonne terriblement creux.

In The Air est finalement une oeuvre qui manque de finesse et de direction. Un film charter, donc : emballé, c’est pesé.

4/10

Whip It / Bliss (Critique) Roulez jeunesse

noreply@blabla-series.com (Adam) — Fri, 22 Jan 2010 10:00:00 +0100

Drew Barrymore, l’enfant terrible d’Hollywood a fait du chemin. En patins à roulette, elle s’auto-érige désormais cinéaste. Avec une envie débonnaire, loin du tout-Hollywood.

Juno parmi d’autres

D’emblée, dans le sujet, le décor, l’allure, Whip It a des airs de Friday Night Lights. Sauf que dans Bliss, les jeunes espoirs ne sont pas de jeunes joueurs de football avides de bourses d’étude. Mais des jeunes filles pleines de vie, qui décident de se créer un contre-courant sur roulettes. Le roller derby, un sujet foncièrement original, jusque là inexploité.
Les mêmes cul-terreux, le même Texas post-industriel, la même volonté de partir du trou perdu parental pour l’héroïne font en tout cas penser à cette série dont la sueur est la plus émouvante actuellement à la télévision.

Face au casting féminin du film, impossible de ne pas céder à l’envie irrésistible de se réfugier deux heures dans une salle obscure pour retrouver ces pointures qu’on apprécie tant.

Drew Barrymore, Juliette Lewis, trop rare au cinéma (mais tout aussi géniale derrière un micro), Kristen Wiig abonnée aux rôles attachants, la jeune Alia Shawkat, culte dans Arrested Development, Zoë Bell, la cascadeuse la plus connue sur Terre et Marcia Gay Harden, qui n’a plus besoin qu’on la qualifie.

Et puis, surtout il y a Ellen Page (Bliss). Sa frimousse aussi attendrissante depuis Juno (et Hard Candy), sa fragilité adolescente, sa douce masculinité. Il n’y a rien chez actrice qui ne soit pas démonstratif ou touchant. D’autant que Drew Barrymore a su brillamment éviter la redite Juno, en la dirigeant avec plus de délicatesse et le résultat gagne en distinction. Ellen Page a quitté les traits malicieux parfois cabotins de Juno pour retrouver un rôle d’adolescente sans prétention ni air supérieur. L’actrice sait autant désarmer avec l’humour subtil d’une jeune rebelle qu’avec la joie de vivre naturelle d’une ado lambda.

Toutes ces filles timbrées, qui forment l’équipe de roller la plus underdog du Texas, les Hurl Scouts, à la hargne communicative et l’esprit de famille louftingue attachant, s’avèrent être le plus bel atout du film. Le plus ambitieux.

A la force de la roulette

Whip It est une oeuvre perchée mais sincère, même pas féministe, un écueil pourtant incontournable du genre « girl powaa ».
Ici, l’univers féminin est utilisé comme échappatoire juvénile. Glisser sur la piste, esquisser les coups et riposter en croche-pattes fourbes et uppercuts est un exutoire pour une ado qui manque d’oxygène.

A aucun moment, le pouvoir et la femme sont deux valeurs qu’on brandit en étendard. Jamais, non plus, l’héroïne reporte un mal-être adolescent sur un modèle en devenir.
Il n’y a pas d’étude dans Bliss, aucune tentative de morale, de barricader son propos. La simplicité est maître du jeu. Et Drew Barrymore, éternelle ravagée, utilise la posture de la femme, de l’adolescente, pour mieux la déglinguer, à l’image du personnage qu’elle incarne et qui finit d’une façon ou d’une autre le nez en sang.

Gentiment underground, mais sans cool attitude revendiquée, Whip It est un film profondément simple. Castagne et amitié. Bien loin des films alternatifs poseurs à la séduction affamée.
Sa bande son très rock (efficace mais pas surprenant : Drew est une fan notoire), des plans joliment pensés, quelques idées inventives ça et là, autant dire que Barrymore s’en sort bien aux manettes. L’actrice prouve que sa très longue expérience au cinéma (depuis E.T à cinq ans, on le rappelle) a finit par payer. Drew Barrymore peut être fière d’elle : son essai ciné se révèle exaltant.

Whip It, film qui recueille avant tout la sympathie, répand une bonne humeur ambiante. Non exempt de passages répétitifs et de détails perfectibles, le film sort gagnant du round glissant grâce à son authenticité et sa rage persévérante de créer sa propre sauce.
Sans air introverti ou peur du regard. A l’image de la débutante Babe Ruthless qui détale de la piste mieux que personne.

7/10

Adam (Critique) Asperger et le désordre amoureux

noreply@blabla-series.com (Adam) — Thu, 14 Jan 2010 19:36:26 +0100

Il y a quelques mois, Mary & Max racontait l’histoire d’amitié entre une fillette introvertie et un vieillard atteint de la maladie d’Asperger. Dans une version plus fleur bleue, davantage standardisée, la maladie d’Asperger s’immisce entre un jeune « handicapé » et une jeune femme altruiste, tout en menant le cap de la douce authenticité.
Cyniques et perplexes, on en ressort affectés.

Un syndrome, une histoire

A bas les amalgames. L’autisme de Dustin Hoffman n’est pas la maladie dont souffre Adam, héros du film éponyme.
L'asperger est une forme assimilée de l’autisme mais beaucoup plus nuancée et ouverte dont est donc atteint Adam. Un jeune homme récemment orphelin, ingénieur pour jouets électroniques, passionné de physique et de sciences, qui vit seul depuis la mort de son père. D’emblée, le personnage prend vie dans ses inadaptations.
Celui qui l’incarne, Hugh Dancy, est absolument confondant de savoir-faire. Dans le regard toujours vague, le verbe hésitant, la posture étriquée, l’inconfort social maladif, Hugh parvient à donner corps à ce personnage à part, qui attache et émeut dès les premières minutes.

A cet égard, plusieurs traits de la personnalité d’Adam font directement penser à Sheldon Cooper, physicien lui aussi, dans la série The Big Bang Theory. Et si Sheldon était un Aspie ? Ses rites interactifs sociaux biaisés lorgnant en effet du côté dudit syndrome. Bien plus mesuré, cela dit, le geek qui connaît la mauvaise foi et le second degré, reste toutefois concerné par cette description : logorrhéique, inadapté, replié sur lui-même. On peut aussi parler de Walter Bishop (Fringe) ou même Monk. Force est de constater en tout cas que l’Asperger est un handicap dont les bribes sont des ressorts comiques qui se retrouvent facilement dans le monde de la télé.
Mais ici, point de comédie, Adam est une chronique, humaine avant tout.

Face à Adam, incarné par le désormais louable Hugh Dancy, Rose Byrne ne démérite pas. Celle qui est dans le cœur de Blabla-Series depuis la première seconde de Damages incarne ici une jeune femme aimante, presque débonnaire envers son voisin et futur amoureux.
Tous deux forment évidemment un couple parfait (difficile de ne pas succomber à la fois au charme de Rose et de Hugh, les deux sont somptueux), idéal pour le paysage azuréen prôné par le film.
Plus qu’une harmonie physique, le couple parvient à créer une vraie entente chimique, un vrai soutien réciproque. Appuyés par des dialogues construits et réalistes, Beth et Adam engrangent un processus de compréhension, de confiance, de découverte de soi dont le spectateur est témoin. Et ce qui en ressort est remarquable.

Anti-cynique mais pas mièvre

Adam est un joli film, très équilibré, sans fausse note ou passage dérangeant. Gentil mais pas gentillet, sentimental mais pas sirupeux, plus un message à la différence sur fond romantique qu’une bluette sans réalité, sans queue ni tête. Adam assume sa romance, ses traits débonnaires sans jamais verser dans un registre dégoulinant de bons sentiments, à l’image de cette fin quasiment bouleversante et totalement plausible. Parce que c’est une histoire de tolérance et d’entraide, l’important.

Il y a cette scène magnifique et sombre dans le film, une scène qui fait tout basculer, qui transmue le visage de l’héroïne qui demande alors à Adam pourquoi il désire l’avoir à ses côtés. Et la réponse folle d’éloquence illustre pleinement Adam, loin des contours fleur bleue qu’on aime à lui coller “you're a part of me, i need you to help find a place to live and to learn how to get to work and to understand what it means when people say crazy stuff, and I couldn’t go without you”.

La plupart des critiques ont gratifié le film de niaiserie montée. Parce que plutôt tendre et inoffensif. Et c’est toute la victoire d’Adam : recueillir des avis foncièrement cyniques avides d’autre chose de plus tarabiscoté et abrupte, en menant de front un propos authentique assumé, volontairement dénué de cynisme.
Un résultat simple, à la mesure du héros, qui psychologiquement parlant est incapable de ressentir le moindre cynisme, la moindre ironie. C’est le cas du film donc, qui pour autant ne privilégie pas un suave happy ending.

Comme le malade d’Asperger, qui ne fonctionne qu’à l’explicite, au pragmatique bien formulé, Adam est une œuvre qui ne fonctionne qu’au sentiment. Il compose une romance moderne étonnante, pas irréaliste, pour déboucher sur une petite leçon modeste sur les égards humains, particulièrement d’époque.

7.5/10

Gigantic (Critique) L’ennui branché

noreply@blabla-series.com (Adam) — Mon, 11 Jan 2010 20:22:00 +0100

Une nouvelle robe, un serre-tête autrement coloré, une même manière désillusionnée.

On dirait bien que Zooey Deschanel et ses yeux ronds sont sur le point de devenir la marque vivante des comédies indépendantes désabusées, elles-mêmes tendant à incarner un mème du cinéma tendance.
Mais de cette mémétique voulue, découlent souvent des principes d’usage bancals auxquels la plupart de ces œuvres en vue abritent chaleureusement en leur sein. Résultat, avec Gigantic, la forme irrite, le fond s’amenuise.

Ambiance maussade pour absence de passion

Les histoires d’amour déchues ont bon dos. Sous convert du romantique moderne, la fantaisie du couple, ses ponts, est vite devenue morne et tiraillée. Avec Gigantic en point d’orgue, le paradigme de la relation amoureuse transite désormais par un détachement et une non-passion chronique. On retrouve cette fameuse indifférence dans le couple, que Zooey elle-même a symbolisé dans 500 Jours Ensemble. Pas de scène larmoyante, d’égard électrisant ou d’étreinte épidermique, la mode est au détachement.

Gigantic offre ainsi cette vision désenchantée des relations. Mais procure la désagréable sensation de forcer le trait sur quelque chose qui officie dans le non-dit. Pour être bien certain de démontrer que le dépit est la nouvelle fantaisie, la grisaille le nouveau cliquant, Gigantic assoit son incohérence, calcule son ton décalé et finit par rendre perplexe.

Par souci de réalisme (ou de branchitude), le coup de foudre est réduit ici à tirer son coup dans la voiture du patriarche, sans foudre. Les rendez-vous galants cèdent le pas à des visites à l’arrachée où la gêne est reine. Et l’engagement devient un consensus silencieux à la « whatever ».

Une expédition inachevée

Trop fidèle au genre automnal de la comédie hyppie, les feuilles se décolorent et tombent sans esbrouffe, Gigantic en néglige sa ligne de conduite.
Sans jamais s’approprier de ton apparent, en voguant entre des passages à vide sans résonance ou des moments volontairement loufoques sans portée, Gigantic attire la superficialité. Et vient à malmener ses thèmes conducteurs (famille, amour et adoption) à la maturité pourtant prouvée, réduits ici à des subterfuges narratifs.

Mais quand les dialogues de Gigantic ne versent pas dans le registre du désabusé chic, certaines répliques excellent en esprit et gagnent en subtilité. Souvent dévolues aux personnages de second rang –John Goodman l’adiposité friquée et les autres, ces répliques apportent une once de sens dans un univers amoureux supposé innovant mais vite banalisé.
L’art de Matt Aselton, un cinéaste américain à surveiller, c’est peut-être de superposer ses envies duales, consacrer de jolies séquences mélancoliques et de décompliquer son propos, qui sans cet enrobage dépressif, aurait pu frôler la justesse.

Décalé, mais à côté.

4/10